菊地風起人Kikuchi Fukito

作品写真:レジャーにおはよう
作品写真:レジャーにおはよう

レジャーにおはようGood morning to Leisure

キャンヴァス、油絵具Canvas, oil paintH2000 × W3000mm 、H1860 × W1980mm、H1820 × W830mm、H830 × W1390mm、H1620 × W1303mm、H1455 × W894mm、H1303 × W1303mm、H1303 × W970mm、H1167 × W910mm、H652 × W1000mm

今回こそは完璧なんじゃないか、といつも意気込んで絵を描くのですがなぜかいつもちょっとズレた絵になってしまうのが僕の最近の制作スタイルです。でも次こそはかなり良い絵が描けるんじゃないかと自分でも期待しています。
それとなるべくいつでも優しい人でありたいと思っています。作品ももちろん大事ですが、まずは僕という人間性の方が大事ですからね。

菊地風起人

菊地君の絵画作品のコンセプトは、通常一方的な、「鑑賞される絵画と鑑賞者」との関係ではない「鑑賞者をあたたかく受け入れる絵画を描く」ということだったように思う。それは、たしか彼自身の作品を拒否(いや無視だったかもしれない)されてしまった経験からきている。こういった経験は作品を発表する時などに誰にもありがちなことだが、その出会い頭のマイナスな出来事をなんとかプラスに転じようとするところが僕は菊地君らしくて面白いと思う。そう言われて彼の絵画を見ると、なるほど描かれた人物はこちらを一様に輝く笑顔で見つめている。ステレオタイプの記念写真的な絵画として、どこか皮肉な内容を閉じ込めて描いたかに見えそうな作品だが、画面をじっと見ていると、画面が揺らぎ絵画に引き込まれてしまう。細部にも工夫を凝らした菊地君の絵画の魅力であろう。

油絵学科教授 赤塚祐二

鈴木唯花Suzuki Yuika

作品写真:祖母のアトリエⅠ
作品写真:祖母のアトリエⅡ
作品写真:祖母のアトリエⅠ

祖母のアトリエⅠThe grandmotherʼs studio Ⅰ

キャンヴァス、油絵具、アクリル絵具Canvas, oil paint, acrylic paintH2273 × W1818mm

祖母のアトリエⅡThe grandmotherʼs studio Ⅱ

キャンヴァス、油絵具、アクリル絵具Canvas, oil paint, acrylic paintH2273 × W1818mm

感情・想いは敢えて描かず、あくまで一つの風景画として捉えています。
自分が実感をもてる「描く」ということについて常に考えてきました。絵画ならではの空間を感じて頂きたいです。

鈴木唯花

リボンを素材にリアルな形の花を作り出す祖母の、その仕事場を俯瞰的な視線で捉え、絵画ならではの自在な空間として描き出している。「形は内的なリアリティ」と言う鈴木は、矩形のなかに納得するまでの対象の形を探しだし定着させている。その重層的に響き合う色彩は、塗るのではなく、描ききる事によって筆致の豊かな表情を持った。祖母へのオマージュとして、心の距離さえも伝える魅力的な絵画世界が語られている。

油絵学科教授 川口起美雄

南雲真優(南雲)Nagumo Mayu(nagumo)

作品写真:いつだってそばにいる、光

いつだってそばにいるThere is it near even when

キャンヴァス、アクリル絵具、インク、紙Canvas, acrylic paint, ink, paperH2273 × W1818mm

shine

絵本|キャンヴァス、アクリル絵具、インク、紙Picture book|Canvas, acrylic paint, ink, paperH215 × W153mm

作品写真:遠い 遠い 遠ーい町、ラックとストロン

遠い 遠い 遠ーい町Far-off far-off far-off town

キャンヴァス、アクリル絵具、インク、紙Canvas, acrylic paint, ink, paperH2273 × W1818mm

ラックとストロンLack and Stron

絵本|キャンヴァス、アクリル絵具、インク、紙Picture book|Canvas, acrylic paint, ink, paperH215 × W153mm

絵画としての伝え方、絵本としての伝え方。
伝えたいことは同じでも 伝え方が全く違う。
それには絵の枚数や文字の有無、見る動作などが関係してくる。
この、伝え方の異なる二つの媒体だが、その中で私が一貫して伝えたかったことは、心の温かさ、いつでも大きな悲しみが待ち受ける危うさ、それでも生きて行く強さだ。

南雲真優(南雲)

「物語を描きたい」と南雲はよく言っていたように思う。卒業制作では、その言葉通りに物語を作り、そこに絵を付け、何冊かの絵本を創作している。そして絵画の方でも、徹底した描写と堅固な構成力で、物語性のある大作を発表し、絵の持つ力をみせている。二つの手法の完成度からも、南雲にとっての絵を描く事は物語を描くことなのだとはっきり分かる。
考えてみれば、西洋絵画の歴史にはキリストの物語を描いてきた時代があるし、ただボッシュやブリュウーゲルが際立つのは、物語のための絵画にとどまらない、絵画としての自立した魅力があるからだ。心に残る物語を描くために、これからも絵画と絵本という手法の中で、どこまでお互いを高め合う事が出来るのか、彼女の作品を通して見続けたいと思う。

油絵学科教授 水上泰財

野中美里Nonaka Misato

作品写真:みえなくなっていく、みちびかれていく、のこっていく

みえなくなっていくBecoming Invisible

パネル、テンペラ、油絵具Panel, tempera, oil paintsH1818 × W2590mm

みちびかれていくGo led by

パネル、テンペラ、油絵具Panel, tempera, oil paintsH1120 × W1620mm

のこっていくGo still remains

パネル、テンペラ、油絵具Panel, tempera, oil paintsH2273 × W1620mm

私の実家の庭には、大きな木や花などが咲いています。植物から見る風景は不安さを抱きました。
でも風が吹くたび全身で風をうけ、ながれを感じたことをもとに制作しました。
植物を通してみる景色は、遠くにある家、山、湖、などが見え、小さい頃の自分の視点でもあります。
脈を打つように筆おき、この風景がどこまでも続いてほしいという願いがあります

野中美里

野中美里の作品は、人間の存在自体も自然のひとつとして感じられるかのような、超自然的な生命感にあふれている。旋律のように伸びる一本一本の線は、うねりのような流動性とリズム感を生み出し、大きな息吹となって画面に躍動感をもたらしている。それはまるで、インド哲学で人間存在の構成要素の1つである風の元素を意味するプラーナさながら、生命エネルギーそのものが世界に充満し、互いに循環し合う姿を可視化したかのようでもある。今後の活躍が期待される作家の一人である。

油絵学科教授 遠藤彰子

廣岡友弥Hirooka Tomoya

作品写真:羊と犬−わが邂逅−
作品写真:羊と犬−わが邂逅−

羊と犬−わが邂逅−The Sheep and The Dog -My Encounter-

インスタレーション|ミクストメディアInstallation art|Mixed media

私はみずから何ら影響力も行使することのできない社会に対して、責任を感じてはいなかった。しかし社会に対する私の無力は、もちろん、社会の私に対する無力ではない。社会の進んでゆく道が、そのなかに情容赦なく私をまきこんでゆくだろうということに、疑いの余地はなかったし、私は私にはたらきかけるものの全体を、理解したいと願っていたのであろう。
出典:加藤周一著『羊の歌̶わが回想̶』岩波書店、1968年

廣岡友弥

一部に付箋がついた岩波新書が壁に整然と並べられ、反対の壁には様式的に描かれた1枚の松の絵が掛かっている。取りつく島もないほど飾り気のないインスタレーションである。これは大正生まれの評論家加藤周一の自伝的著書「羊の歌」を元に、作者廣岡自身による考察を作品化したものだ。2008年に没し、「加藤さん」と廣岡が呼ぶ死者との交信の場として、鏡のように黒光りする松の絵を配した能舞台的ホワイトキューブがしつらえられた。対象となる内容は、現在の廣岡と同世代の時期のもので、しかも戦前の状況のみに注意深く限定されている。無数の付箋と共に抽出された言葉は、それ以外を白く塗り潰すことで示される。2人の極私的で濃密な対話を、私たちは断片的な共感と埋めがたい疎外感を持って眺めることになる。しかしこの簡素な作品が私たちの胸を打つのは、もうこの先は美術ではないという地点に立った作者が、捨てることでしか到達できないリアルに向けてもがいている姿をそこに見るからだろう。その孤独や飢えは、若き日の加藤の絶望と重なるようにして、今を生きる私たちの「戦前」を照らし出している。

油絵学科教授 袴田京太朗

深川侑紀Fukagawa Yuki

作品写真:生 −留まる−
作品写真:想いの店
作品写真:生 −還る−

生 −留まる−Life -Stay

紙、ミクストメディアMixed media on paperH1500 × W3640mm

想いの店Place of Memories

紙、ミクストメディアMixed media on paperH1100 × W1400mm

生 −還る−Life -Return

紙、ミクストメディアMixed media on paperH3640 × W2730mm

思い、
還る。
記憶と今とは大きなギャップがあるとしても、その場所は変わらず美しい。
見て感じた事を描くことが、今私にできることであり、やりたいことなのだと思います。

深川侑紀

水が色を連れてゆき、紙に広がり染み込む。透明水彩による丹念な描写が蠢くような動きを作り出し、大地は命が湧き出でるように鼓動している。幾度も繰り返される偶然が作者の思いによって生を宿し、形と色はいつしか光に変身し、紙の白は靄となり霧となりそして光となる。それは肉体を宿した大地の風景であり全てが光に還ろうとする霊の風景でもあるのだ。そんなふうに深川は祖父のふるさとを描いた。故郷、熊本が地震に遭った時、生まれ育った場に呼び寄せられるように深川は帰った。
そして人がそこで生きる事の意味を確かめるようにその地を描き始めたのだ。描かれた風景は自然への畏怖と、永遠ではない人の生の営みが悠久に連鎖していることへの愛で溢れ、人間の深く遠い記憶を呼び覚ます景となって私たちに静かに語りかける。

油絵学科教授 樺山祐和

森野大地Morino Daichi

作品写真:Flashing body
作品写真:Flashing body

Flashing body

インスタレーション|プロジェクター、ガードレール、ブラウン管TV、DVDプレーヤー、照明器具、レースカーテン、白シャツ、イヤホン、iPod、タブレット、ほかInstallation art|Projector, guard rail, CRT TV, DVD player, lighting equipment, lace curtain, white shirt, earphones, iPod, tablet, other
映像Movie4mn 30sec

男の中には女がいて、機械の中には人間が潜んでいる。
目には見えなくても、ここに、確かに存在している者。
この体がただの表面でも、
この体を脱ぐことはできないということ。
行き着く先にはいつも、そんな当たり前の絶望が待ち受けている。
行き場のない亡霊たちが生きていくためにはまず、
自分を抱き締めて、紛れもない自身の体を認めていかなくてはならなかった。

森野大地

壁に大きく映し出された若い男は、以前その部屋で隣に眠っていた「彼」のことを静かに語り始める。その男の声は儚げな女性の声に巧みにすり替えられ、語りの中の「僕の中の女」という印象的な言葉にぴたりとあてはまる。男/女が語る言葉、「暗闇で機械のように光る彼の乳首」や「事故で亡くなった人の亡霊」は、どこに着地することもなく空間を漂っている。そして床には映像の光に照らし出されるように、話にまつわる現実のものらが無造作に置かれている。光る乳首が映るモニター、男のシャツ、背後のカーテン、白く光る巨大なガードレール。少女のような声で語られる身体と心の違和は、事故で身体から切り離された被害者の亡霊が、白いガードレールに乗ってこの場所に滑り込んで来るイメージに昇華される。ひとつだった時には何でもなかった身体と心、それらが引き裂かれる人の死、セクシュアリティという逃れようのない現実。向こう側の世界とつながる乗り物としてのガードレールは、同時に凶器として突きつけられる。行き場のない哀しみが観る者の身体を貫いていく。

油絵学科教授 袴田京太朗

山本明日香Yamamoto Asuka

作品写真:盆の抜け殻
作品写真:盆の抜け殻

盆の抜け殻The Obon felt empty

インスタレーション|ミクストメディア|キャンヴァス、油絵具、石粉粘土、スチレンボード、ほかInstallation art|Mixed media|Canvas, oil paint, stone powder clay, styrene board, otherH3000 × W4000 × D3000mm

お盆の時の記憶。
祖父母の家に様々な年代の人が集まり、非日常的な空間が生まれる。そして時々誰かがいなくなったり、新しい人が増えたりする。この空間にいる一人一人は変わっていくが、その繰り返しは変わらない。
その記憶さえ、現在が降り積もっていく中で忘れていく。私は現在にある物質から要素を抽出し、繰り返し、記憶のイメージを更新しながら表現している。

山本明日香

触れるイメージ、触れないイメージ
絵画は、四角いキャンバスに何か描けば成立するというものではない。絵に到達するためには、その人独自のルートを見つけ、“回り道”をしなければならない。ちょうどタルコフスキーの「ストーカー」の主人公が“ゾーン”に行くのに、リボンを結んだナットを投げてその道を見つけるように。
山本明日香は、お盆の時の家族の集まりの写真から子供と祖父を引き出し、ドローイングし、コピーをし、立体をつくる。その立体とは頭のなかにつくられるイメージの具体化であり、触さわれる像(イメージ)である。通常、絵を描く人はこの過程をドローイング、あるいは頭のなかでやるが、彼女は立体として実際に像をつくる。そうして初めて絵を描くのだ。
このとき絵のなかの像(イメージ)は触れるものではなく、絵でしか成立しえない独特のものに変貌する。立体の棒状物は絵では震えるような線となって曖昧な像と呼応する。このようにしてかろうじて絵というものが生まれ、立体の像が置かれている重力のくびきを逃れ、壁に浮遊する。そのあり方は感動的ですらある。

油絵学科教授 長沢秀之

山本亜由夢Yamamoto Ayumu

作品写真:HOME
作品写真:room of ours

HOME

キャンヴァス、油絵具、アクリル絵具Canvas, oil paint, acrylic paintH1970 × W2910mm

room of ours

キャンヴァス、油絵具、アクリル絵具Canvas, oil paint, acrylic paintH2050 × W1450mm

何枚も絵を描いていると、無意識で共通するものやことがでてきて、それらを今度は意識して描くと自分のなかで定着してくる。画面上でも無意識の調子をなんとかコントロールしようとしたり、意図的な形を偶然の筆致が崩したり、反したものを行き来する。その応酬が絵を未知の領域に踏み込ませると盲信しながら描いている。

山本亜由夢

絵の前に立つと、まず緑色が目に留まる。それから、点在する赤や黄色に移り、画面全体に勢いよく走る筆触によって、視線は上下左右、手前、奥へと揺らぎながら漂っていく。その筆さばきは、形を定着させようとしているようにも、筆を動かすうちに立ち上がってきた形を打ち消そうとしているようにも見える。
「人が一人だと象徴的になりすぎるが、二人以上だと人の存在の強さが弱まり、背景と溶け込みやすくなる。また人と人との関係性を描く必要が出てくると、人と背景の関係性と接点を持ちやすくなる」という山本の言葉から、人や人の気配は今のところ彼女にとって必要不可欠であり、人を介在させることによって、目の前の世界に触れようとしているように思える。彼女にとって人とは、他者であり自分でもあるのだろうが、人への思いを、描くという行為によって何かに定着させたいという思いと、立ち上がってきた世界が正しいものだろうかという迷いとがせめぎ合って、画面はざわめいている。そのざわめきの中に見え隠れするおぼつかなさこそが、彼女のリアルではないだろうか。

油絵学科教授 小林孝亘