大越梓Okoshi Azusa

作品写真:ジョージア・オキーフの描く空間について
作品写真:ジョージア・オキーフの描く空間について

概要

ジョージア・オキーフ(Georgia O’keeffe1887–1986)は、20世紀アメリカのモダニズムを代表する画家の一人だ。1776年の独立宣言から歴史も浅く、伝統もないアメリカにおいて、彼女は自己のスタイルが確立するまでヨーロッパに向かうことなく、独自の芸術表現に向き合い続けた。ヨーロッパの芸術をアメリカに紹介し、国内の若い芸術家たちを支援してきたアルフレッド・スティーグリッツ(Alfred Stieglitz1864–1946)との出会いで、才能を開花させたオキーフは花や骨、ニューヨークの都市風景、アメリカ南西部の砂漠の風景を題材とした作品で知られる。
「アメリカ近代写真の父」と呼ばれるスティーグリッツとパートナーになり、同時代の写真家とも交流の深かったオキーフと写真はよく結びつけられる。レンズから被写体を覗いたような視点を感じさせる花や摩天楼を題材にした作品は、その典型だろう。これまでのオキーフ研究は、こうした写真の新しい表現方法からの影響を重視していた。しかし、スティーグリッツとの出会いより前に、東洋美術の理論による空間と構成に触れ、多くの日本美術や中国美術に関わる本を所持していたことにも注目したい。本論文では、東洋の美術はその後の彼女の作品にどのような影響を与えたのか、という問いから出発する。
また、ヨーロッパ美術への関心が薄かったオキーフの作品は「アメリカ的」と評される。それは、アメリカを象徴するような高層ビルと砂漠を主題とした彼女の作品から受ける、広大な空間とつながる。摩天楼が並ぶ都市と近代的なものに侵されていない地方を往復する生活を続けていた彼女は、自国における新旧の世界を肌で感じていた。変化していく環境の中で描き続けた、オキーフの空間について考えていく。

ジョージア・オキーフの描く空間についてThe Space Painted by Georgia O’Keeffe

論文Thesis75ページ 31836字

20世紀のアメリカで独自の表現を模索したジョージア・オキーフは、アメリカ近代写真の父と呼ばれるアルフレッド・スティーグリッツと出会い、互いに影響を与えた。これまで彼女の作品は、しばしば写真と関連づけて語られる。しかし、スティーグリッツと出会う前にオキーフは東洋の美術理論に触れており、従来のヨーロッパ美術とは異なる新しい刺激を受けていた。本論では、「東洋美術」から得たもの、彼女の作品に描かれる「空間の広がり」に注目し、「アメリカ美術」におけるオキーフについて考えていく。

大越梓

G・オキーフは、20世紀北米を代表する画家。アメリカ東部の都市風景から南西部の平原までを対象として、その内面を描き出した。その作風については、写真家A・スティーグリッツの構図などと関連させて論じられてきた。本論は、その前に学んだA・W・ダウの東洋美術論に注目し、オキーフが漢画・大和絵の空間把握を自身の制作の軸に据えることによって、独自性を得たことを論証した。そのバランスの良い論理運びが評価された。

芸術文化学科教授 髙島直之

小倉達郎Ogura Tatsuro

作品写真:「印刷絵画」再考−1959年から1965年までの河原温−
作品写真:「印刷絵画」再考−1959年から1965年までの河原温−

概要

河原温による、1966年から40年以上にわたって継続的に制作された「日付絵画」(『Today』シリーズ)をはじめとする作品群は、1960年代後半に隆盛をみた芸術動向としてのコンセプチュアル・アートの文脈において、最も先駆的な取り組みのひとつとして高く評価されている。他方、河原が日本で活動していた1950年代における作品としては『浴室』の連作などがあるが、それらの物質的なイメージの作品群には後年の概念的な諸シリーズとのあいだの形式的な共通点がほとんど見当たらず、さらに、離日後メキシコやパリでの活動を経てニューヨークに定着するまでの期間における河原の実践についても、今まで十分に言及されてきたとは言い難い。過渡期とでもいえようその時期の取り組みに目を向けながら、河原温という作家についてのパラダイムの再規定を試みることが、本論における目的である。そのために、日本時代の最後期に制作された「印刷絵画」を同時期の実践を考える上での重要な作品として位置付けながら、それが、特に後年着想されるコンセプチュアルな作品群に対していかなる影響をもったのかということについて、河原自身の言説などを手がかりとしながら検討する。それぞれの時期における実践についての考察を通して本論において明らかになるのは、「印刷絵画」において模索された芸術上のコミュニケーションの問題に対する取り組みが河原のキャリアに通底する主題となっていったということ、そして、そこではじめて採用された「表現の外部化」という制作形式が後年のシリーズ群へと展開した可能性である。

「印刷絵画」再考−1959年から1965年までの河原温−On Kawara’s Insatsu Kaiga (printed painting) and his experimental works in 1959–1965

論文Thesis24ページ 35240字

研究テーマの決定にあたって、まず、河原温が1966年以降に発表したコンセプチュアルな作品群に対する興味がありました。河原は自ら設定した規則に従って機械的に制作を続け、これらの作品において主観的感覚や身体的行為の痕跡は極度に排除されていますが、しかし、かえってそのために、作品に対峙した鑑賞者には作家の存在が強く意識されます。本論では、河原が50年代の終わりに取り組んだ「印刷絵画」をその端緒として位置付けながら、66年以降の展開について検討しました。

小倉達郎

一見して人が描いたとは思えない、概念的で記号的な作品「日付絵画」を制作した河原温は、後年、匿名性を高め社会から身を隠した謎多き作家である。筆者は、その作品に残されたわずかな筆致について熱く語ったことがあった。作品の隅々にまで目を凝らし、時には模作しながら、自身が感じた作家の体温ともいうべき痕跡が何かを、探り続けたのだと思う。数多の論説が批判的かつ効果的に援用され、自身の主張が丁寧かつ緻密に編みこまれた、秀逸な論文だと評価している。

芸術文化学科教授 西中賢

済藤玖美Saito Kumi

作品写真:和紙とひと

和紙とひとWashi and people

本|越前和紙、洋紙|経本折りBook | Echizen washi, paper | Accordion foldH210 × W297mm 46ページ

映像Video | 8min 35sec8分35秒

和紙の魅力をあたたかみや風合いだと思っていた。これらの魅力は、目には映しづらいものであり、抽象的で不確かなものではないか、とも思っていた。和紙の魅力を自分以外の誰かに伝えたいのにうまく伝えることができなかった。それから私は、出身地でもあり、越前和紙の産地でもある福井県に向かった。職人やものづくりに携わる方たちに取材を行った。私はそこで、「ひと」という存在に意識が向いた。和紙の魅力は「ひと」という存在によって生み出されているのではないか、と考えたのだった。自分の目と耳と足を使い、和紙のことを知り、そして伝える。
展示では、「読む、見る、触る」という多方向から鑑賞者にアプローチを行い、和紙の魅力を伝えることを目指した。和紙やものづくりに対する興味・関心を持つきっかけの場となることを願っている。

済藤玖美

「和紙」に対する自らの情熱と関心がどこから湧き上がるのかを探るため、作者は何度も産地に訪れた。自分の目で見ること、原料の採集から紙漉きまでの体験を通して感じること、そして職人や和紙文化の普及を担う人物との対話を繰り返すなかで、自分が伝えるべき主題を見つけた。愚直なまでに現場へ足を運んで得たことは、作者が感じた「温かい」和紙の魅力とともに、「人のつながり」を表現した経本折りの本としてまとめられ、作者にしか伝えられない成果を評価した。

芸術文化学科教授 西中賢

嶋田智文Shimada Chifumi

作品写真:想像力のための挿絵とは−未明童話と初山童画の親和性−
作品写真:想像力のための挿絵とは−未明童話と初山童画の親和性−

概要

想像力のための挿絵とはいったいどのようなものであるか。本論では、小川未明の童話と初山滋の童画の親和性の要因を分析するとともに、人が生まれ持つ想像力を養うための挿絵の在り方について考える。
未明も初山も「童心」を持ち続けた人物であり、作家と画家2人の精神に共通して存在した「童心」は物語と絵の親和性の根底となったものと言える。
そして、「幽玄」の魅力を持つ初山童画は、未明童話に存在する「余情」を描かれないことの余白によって表現し、味わい深い協奏の余韻を読者の心に残した。初山の未明童話に描いた挿絵は内容理解を促すためだけのものではなく、想像することの「とらえどころのなさ」を深めるものであり、作品の中でにおいや音など読者に五感を通した共感を育てた。
挿絵が、読者個人の想像の在処つまり読者の内的時間や心情の生きる場所として活用されることで、我々を現実のさまざまな意味や固定観念から解放するのではないか。
今私たちはネット社会の発達により情報があふれ、SNSというメディアで何もかもが共有化されてしまう時代にいる。だからこそ、読書という私的な営みから、文字や絵といった途方もない他者という外部に自己を見出し、自己の内面にその発見を残す。孤独でゆとりある想像の時間は、人生において、また如何なる時代においても必要だ。
筆者は、想像のための私的な空間と時間が確保される「書物」と向き合うこと、そして書物芸術としての「挿絵」の存在にその可能性と実現性を期待しているのである。

想像力のための挿絵とは−未明童話と初山童画の親和性−What do illustrations mean to imagination? -Affinity between Mimei’s fairy tales and Hatsuyama’s pictures for children-

論文Thesis80ページ 37189字

想像力のための挿絵とはいったいどのようなものであるか。本論において筆者は、小川未明の童話と初山滋の童画の親和性の要因を分析するとともに、人が生まれ持つ想像力を養うための挿絵の在り方について述べている。
孤独でゆとりある想像の時間は、人生において、また如何なる時代においても必要だ。筆者は、想像のための私的な空間と時間が確保される「書物」と向き合うこと、そして書物芸術としての「挿絵」の存在にその可能性と実現性を期待しているのである。

嶋田智文

童話作家・小川未明とその挿絵画家・初山滋による恊働の作業を、20世紀初頭の日本におけるデモクラシーやモダニズムの台頭を背景として、「お伽噺」から「童話」へ、「お伽絵」から「童画」へ移行していく児童書出版の転換点とみなす論考。未明の存在は歴史的なものだが、画家・初山の線描的な画風や装釘デザインを細かに分析しながら、造形と印刷技術の関係を含めこの時代書物の想像力をあぶり出す、新鮮な切り口が評価された。

芸術文化学科教授 髙島直之

坊古居将平Bokoi Shohei

作品写真:地域を盛り上げるためのインターフェース
作品写真:地域を盛り上げるためのインターフェース
作品写真:地域を盛り上げるためのインターフェース

地域を盛り上げるためのインターフェース
−食とバーチャルライブを用いた地域活性化−Interface for Revitalizing The Community −“The Suggestion of Revitalizing The Local Community by Using Food and Virtual Live”

プランニング|ポスター、バナー、研究ノート、映像|紙、ディスプレイ、プロジェクターPlanning | Poster, banner, book, video | Paper, display monitor, projector | 3min 25secH594 × W420mm ×3点 H2500 × W910mm ×4点 H210 × W297mm 22ページ 3分25秒

2016年12月、私は母校のある佐賀県の鳥栖市にご縁があり、イルミネーションイベントの点灯式でバーチャルライブイベントを行いました。そこで感動した体験を元に、これを地域を盛り上げるための企画にできないかと思い、浮上した様々な課題を整理した上で、自分にできる地域への貢献の仕方を考え、それを実行していきました。
地域を盛り上げるために一番大切なことは、「継続して実行すること」だと考えています。私は今後もライフワークとしてこのイベントを続けていき、鳥栖を盛り上げていきたいと考えています。

坊古居将平

これは佐賀県鳥栖市における、いわゆる地域活性化を目的とした企画であるが、何より優れているのは、企画を2年間に亘って実現し、何百人の参加者動員を果たした点に尽きる。時間を掛けて地域の特性を調査し、若者が楽しめ全国から注目、或いは来場してもらえるバーチャルライブイベントと食による町歩きを実現させた。継続性のために最も重要な現地の実行組織を構築できており、今後も更なる「盛り上がり」が期待できる。

芸術文化学科教授 楫義明

山崎栞奈Yamazaki Kanna

作品写真:これからの美術鑑賞「みてみてアート」~私と美術館ボランティアのための、作品と鑑賞者をつなぐ新しい鑑賞方法の提案~
作品写真:これからの美術鑑賞「みてみてアート」~私と美術館ボランティアのための、作品と鑑賞者をつなぐ新しい鑑賞方法の提案~

これからの美術鑑賞「みてみてアート」
~私と美術館ボランティアのための、作品と鑑賞者をつなぐ新しい鑑賞方法の提案~A Future Art Appreciation Design “MITE MITE (LOOK & TRY) ART”
-A proposal for museum volunteers and myself, to connect people with art works.-

プランニング|本、リーフレット、パネル、映像|紙、スチレンボード、ディスプレイPlanning | Book, leaflet, panel, video | Paper, styrene board, display | 1min 50secH210 × 297mm 42ページ H297 × 210mm H728 × 1030mm ×8点 1分50秒

これからの美術鑑賞「みてみてアート」とは、進行役のファシリテータが7つのプロセスを通しながら、参加者によくみて考えることを促し、アート作品の見方を深めていく鑑賞プログラムです。少人数のグループでひとつのアート作品に大体20分くらいの時間をかけて、気づいたこと、感じたことを話し合い、作品と鑑賞者、そして鑑賞者同士がコミュニケーションをとることを目的としています。
アートは難しかったり、敷居が高いものと感じられますが、少し見方がわかることによって、より作品を深くみていただくきっかけになればと思います。この鑑賞法が、アートをみることの楽しさや価値を、より多くの人に体験してもらい、アートの可能性を感じてもらうきっかけになれば幸いです。

山崎栞奈

美術館や学校でアート作品を鑑賞するメソッドの一つとして普及してきた「対話型鑑賞」にファシリテータとして関わる中で、鑑賞者に知識を与えない、質問は定型3つに限る、といったデザインに感じた違和感をきっかけに、文献と実地リサーチを経て、新たな鑑賞「みてみてアート」を提案した。これまでの実践をまとめるリサーチをベースに、鑑賞者を巻き込むインクルーシブな視点から「鑑賞」という「こと」のリデザインを行った点を評価した。

芸術文化学科教授 杉浦幸子