梶村帆香Kajimura Honoka

作品写真:部屋/本棚/窓

部屋Room

キャンバス、油絵具Canvas, oil paintH1303 × W1620mm

本棚Bookshelf

キャンバス、油絵具Canvas, oil paintH1620 × W1620mm

Window

キャンバス、油絵具Canvas, oil paintH1620 × W1303mm

私にとって“絵を描く”ということは,物心ついた頃から生活の一部となっていました。
日々あたり前のように生活しているこの世界が,
まったく別の世界(別の次元)の誰かのものであったら…?
そんなことを考えながら描きました。
でも,どのような状況であっても,きっと私はこれからも絵を描き続けるでしょう。

梶村帆香

梶村帆香の幻想的な絵画は、現代の博物館のはじまりとなったWunderkammer(驚異の部屋)を思わせる。室内の中には、額縁、ポストカード、ポスターなどがみっしりと配置されており、それぞれが異質な空間を持つ画中画の役割を担う。特に「本棚」では、アレンジを加えられた他の梶村作品が詳細に描き込まれており、入れ子構造をもって彼女の世界観の豊さを統合している。
彼女の絵画には、辻褄が合わない箇所が多くあることに気づかされるが、ドールハウスのような極小の世界と、シュールで広大な視野が、同じ画面に矛盾を抱えながら共存しており、私たちのスケール感を揺さぶり、眩惑する。このような技術は古に多くの例があるが、その伝統的手法を現代の絵画へと効果的に転用した試みが高く評価された。

油絵学科教授 諏訪敦

片山初音Katayama Hatsune

作品写真
作品写真
作品写真

インスタレーション|木Installation art | WoodH70 × W9300 × D9300mm

この作品は一種の身体的な違和感を作り出しています。この床の上に人が立つという行為は自分が思っているほど能動的なことではないかもしれません。床が少し高い、それだけのことで変わってしまう程には日常の状態に慣れているのです。その状態を作っているのも人であり、自分はそこに立っている。それは誤差のような差異によって緩やかに崩されてしまう。強固に信じているものも、あっさりと緩やかに崩れてしまうものかもしれません。

片山初音

卒業制作展で片山初音は白澤はるか*と2人で1つの展示場所をシェアしていた。しかしその会場に入ると目の前にあるのは白澤の作品だけであり、鑑賞すべき片山の作品は存在してはいなかった。何故なら彼女は、いつもはアトリエとして使用する展示会場の床を、数センチ高く底上げするということを作品としたからである。
私たちは普段、自分の意思で価値を決定しているように思える。しかし彼女はそこに疑問を投げかけた。本当に私たちは自身の意思によって価値をかたちづくり、物事を判断しているのだろうか。実際は、その場の雰囲気や状況によって価値観は揺らぎ受動的になってはいまいか。彼女がさりげなく少しだけ上げた床は同型の隣あう展示空間とは明らかに空気の流れが異なっていた。それは作品を鑑賞するということは単に視覚的なことではなく、身体全体の感覚によってもたらされることである、ということを静かに物語っていた。

*少なからず白澤はるかが片山の意図を深く理解し、自身の作品を制作したことは、今回の片山作品の魅力を助長させたことを、ここに記して置きたい。

油絵学科教授 丸山直文

川鍋理沙Kawanabe Lisa

作品写真:nada/barco

nadanone

キャンバス、油絵具Canvas, oil paintH1940 × W2590mm

barcoboat

キャンバス、油絵具Canvas, oil paintH1620 × W1300mm

とめどなく肥大化していく生の中には、
底のない空洞 不在 さみしさがある。
生きものたちの真皮に触れたい 騒々しさや欲や混沌の中にある
その空洞 聖なるものに触れたいと思い
聖 生 性 すべてが絡みあって循環する様を描いた。

川鍋理沙

色鮮やかな植物群、絡み合う有機的な肉塊、私にはそれらが異界にひっそり咲く花や蠢く生き物、そこに垣間見える青空のように見え、その異様な画面に充分魅力を感じている。しかしながら何故だか地に足がつかない、現実離れした浮遊感にも同時に襲われるのである。果たして川鍋はそのような、我々には見えない異界を想ってこの作品を描いたのだろうかと。学生時代の川鍋は休暇を利用して何度かメキシコを旅している。そこで出会った貧しい人々や露天商にある珍しい野菜、もしくはそれらが集まる大きな広場などを重ねて描いていたことからすると、その旅は彼女に、生生しさとは何か、新しいもの、誠実なものとは何かを問いかける貴重な旅だったのだと思う。
卒業制作であるこの大作はそれらの集大成であり、その旅で感じた内容は抽象化され、ドラマチックな構成に圧倒的な筆力を感じるのだが、一方で私にはそれらが不気味な世界への憧憬のように見えるのも否めないと思っている。言い換えれば何か川鍋自身が掬いあげた、人間の営みから滲み出た実感のようなものをもっと感じたいと思ってしまうのだ。
これからしばらく川鍋はメキシコで暮らすと聞いている。それは彼女が本当の自分に出会う大切な機会になるだろう、私は異国で生活する川鍋の作品に更なる大きな期待を寄せている。

油絵学科教授 水上泰財

菅野由紀Kanno Yuki

作品写真:繋ぐもの
作品写真:繋ぐもの
作品写真:繋ぐもの
作品写真:繋ぐもの

繋ぐものunite

ビデオインスタレーション|映像、ミクストメディアVideo installation art | Video, mixed mediaサイズ可変

映像Video | 9min45sec9分45秒

今あなたが観ている世界は、慈愛に満ちた素敵な場所でしょう。
そしてとても残酷で哀しい場所でしょう。
あなたから離れた場所で今、何が起こっているのか、
私が観ている世界、経験している事柄について思考を巡らせていただけたら幸いです。

菅野由紀

油絵学科の学生であり同時に看護師でもある作者による作品「繋ぐもの」は、多くの鑑賞者に特別な感情を呼び起こすだろう。
作者が担当した高齢の入院患者が、部屋の移動を拒んだという些細な出来事が作品の起点である。「この空の景色が見える部屋にいたい」というささやかな想いは、彼女の老いや死への漠然とした不安と重なる。正面の壁には病院の日常や高速で移り変わる空の景色が映し出され、天井に吊られた無数の点滴パックのチューブからは、床の観葉植物や空のトレーに静かに水が滴っている。そして不安定に漂う画面が病院の開かれたロビーのような場所に出たとき、この空間にあるのと全く同じ無数の点滴パックが吊られた劇的な光景が現れる。しかしそこでは激しく滴り落ちる水は床に垂れ流されたままである。突然突きつけられた残酷な事実の前で、それでもそこに留まり繋がろうとする透明な水に、私たちは「希望」を見出すことができるだろうか。おそらくそこには甘い感傷など入る余地のない看護師の現実があり、それでも表現者としてそこに立ち、語り得ぬものに目を凝らす作者の姿がある。

油絵学科教授 袴田京太朗

清原啓Kiyohara Kei

作品写真:ありのままの…etc/18時/My precious/居た居た/エラー
作品写真:ありのままの…etc/18時/My precious/居た居た/エラー

ありのままの…etcLet it go Let it go…etc

18時6:00 pm

My preciousMy precious

居た居たThere you are

エラーerror

インスタレーション|油絵具、アクリル絵具、クレヨン、綿布、板、ナイロン、紙、塩ビパイプ、物干し竿、プラスチックポール、アクリル板Installation art | Oil paint, acrylic, crayon, cotton, wood board, nylon, paper, PVC pipe, laundry pole, plastic pole, acrylic board可変 ×5点

街を歩いて気になった人々を描いています。例えば、クラブハウスで踊る人のあけすけなポーズや道端でただしゃがみ続ける人など、人のいつもと違った行動や風変わりな人に魅力を感じるので、それを誰かに話して聞かせるつもりで制作しています。
展示に関しては、彼らに《出会す》ようなものにしたいと考えていたので、物干し竿から絵を吊り下げるなど、絵を木枠に貼らず、あちこちに作品を置く形式を取りました。日常、木枠に貼られた絵画のように安定した規格の中で彼らを目撃することは稀だという思いもあります。
またこの先、都市の人々を描いていけば今の社会を表現することにもなるのではないかとも考えています。

清原啓

清原の絵画は、友人や行きつけの店の店員、クラブハウスで踊る海外旅行客、また彼女が街中を歩いていて目撃した人など、生活する中で気になったものを描いている。自販機の前で屈んでいる男性に何度も遭遇したのか、異なる場所で同じ体勢の姿が描かれた絵が複数枚ある。現代では、気になったものをカメラで撮影することが一般化されているが、清原は写真に頼らず記憶を頼りに絵を描く。なぜならば、彼女が目を留めるものは、カメラを被写体へ向けたら失われてしまうような対象であるからだ。そのためか、描かれた絵は写真のような画一的な画面にはなっておらず、作者は気づいたことを次々と付け加えることにより、画面を変形させる。《居た居た》では、木枠からキャンバスを外し、壁面から鑑賞者の足元までキャンバスは伸びてきて、そこに描かれた道路と鑑賞者が立たされている足元までが、地続きになっている。清原が都市の中で人と遭遇するその瞬間に「鑑賞者をどのように出会わせるのか」という問いによって、この絵は構成されている。

油絵学科教授 小林耕平

佐川みなみSagawa Minami

作品写真:Utopia_be in/Utopia_past/Utopia_memory

Utopia_be in

油絵具、アルキド樹脂絵具、キャンバスOil paint, alkyd resin paint, canvasH2100 × W2400mm

Utopia_past

油絵具、アルキド樹脂絵具、キャンバスOil paint, alkyd resin paint, canvasH1800 × W2000mm

Utopia_memory

油絵具、アルキド樹脂絵具、キャンバスOil paint, alkyd resin paint, canvasH1300 × W1500mm

「自分の理想の世界」について考えながら制作しました。

めまぐるしい日常の中でふと疲れてしまった時も、心の中にこんな世界を持ち続けられていたら自分はまだ大丈夫だと思えます。
画面全体に愛情を持って、一番似合う色を探しながら絵具を積み重ねました。

佐川みなみ

画面の中央上部に小さい島が描かれている。島の周りは青い色面で、一見フラットに塗られているように見えるが、海と島の位置や距離を確かめるように、丁寧に絵具を塗り重ねて描かれている。島にはベンチが置かれていて、外灯もある。それらは風景に溶け込むように淡く描かれていて、バス停や線路が描かれている絵もある。海の上にバスや電車など走っているはずがないと思いながらも、観ていると次第に、走っているかも知れないと思えてくる。ふと自分が海に浮かんでいるような感覚になる。
3年生の頃から「海に浮かぶ島」をモチーフに絵を描いてきた佐川にとって、島とは「周りに干渉されず、かといって孤独ではない理想の世界」であり「自身を保つための心のゆとり」のようなものでもあるという。バスや電車は、他者との距離を測りながらも繋がっていたいという思いのメタファーであり、島のイメージは心のどこかに常に漠然とした不安を抱えているからこそ拠り所とする世界ではないだろうか。
「ゆったり」や「おおらか」といった言葉が浮かんでくる佐川の絵に心地よさを感じるのは、絵から彼女の思いがひしひしと伝わってきて、同時代を生きる者としてその思いに共鳴するからなのだと思う。

油絵学科教授 小林孝亘

佐藤絵莉香Sato Erika

作品写真:かえる/すれちがう/でていく/まじる

かえるReturn

キャンバス、油絵具Canvas, oil paintH2590 × W1940mm

すれちがうPass

キャンバス、油絵具Canvas, oil paintH1167 × W803mm

でていくGo out

キャンバス、油絵具Canvas, oil paintH1620 × W1620mm

まじるMix

キャンバス、油絵具Canvas, oil paintH606 × W727mm

乗り物に乗る時間が好きだ。車でも電車でも飛行機でも何でもかまわない。私はただ無力に窓を物凄いスピードで流れていく景色を見るだけ。静かにわくわくが止まらなくなる。どうにかこのわくわくを自分の中で形にしたくて絵の具とファイトする。そしてそこに存在した絵画は実際に見たものと異なって現れる。しかし、よりリアルとなって私の目の前に迫ってくるのだ。

佐藤絵莉香

佐藤さんの絵画は、大学への行き帰りや、車に乗って移動の途中などに目にした光景がもとになっている。一見抽象的に見える作品もあるが、人の関わる出来事が描かれていることが特徴で、全ては彼女が見て何かを感じ、絵になると思った具体的な状況である。彼女の扱う筆触やテクスチュアは、新鮮な魅力にあふれている。このストロークは、彼女が見たことを絵画に翻訳する役目を負っている。よく研究された彼女の画面だが、ここには現代に絵画を描こうとする強い意志が込められている。

油絵学科教授 赤塚祐二

松井暢也Matsui Nobuya

作品写真:瑰麗
作品写真:瑰麗
作品写真:瑰麗

瑰麗Kairei

クラフト紙、パステルKraft paper, pastelH3500 × W8200mm

去年の11月ごろ、富山県にある立川連峰に登り、テントを張って寝泊まりしてきました。冬に差し掛かるころの山上は、決して快適とは言えない環境であり、非常に厳しいものでした。夜は寒さによって体が縮こまっているせいなのか、いつも以上に空は高く、山は大きく見え、人の小ささを体感することができました。それらの体験が絵の中に生きています。

松井暢也

松井の使用する画材や描法は至って単純なものだ。基底材はクラフト紙、描画材は木炭、黒のコンテといったものであり描法も特別なものではない。しかし、その表現は単純さゆえに強い感覚と感情を内包させている。一方で作品をどのような空間に提示するのかといった点においては極めて特異な方法をとっている。松井は作品をニュートラルな壁面に展示しようなどとは考えていない。クラフト紙の柔らかさゆえに、描かれたものは公共の建物の壁面に、時に共調し時に反発しながら同化してゆく。描かれた山や木々は、公共の空間を侵食するように、非日常的な「場」に変質させるのである。松井の描く巨大な風景は、まるで蠢く生きものが山河に変容したように思える。絵画空間だけでは満たされない欲望は、絵画そのものを生きものにして、公共の空間へはみ出てゆこうとするのだ。荒々しい野生が人工の只中で産声を上げる。松井の本質的な欲望は空間への問いかけであり生々しい「場」の顕現なのだろう。

油絵学科教授 樺山祐和